Origini și școli de artă abstractă

Arta abstractă (uneori numită artă nonobiectivă) este o pictură sau o sculptură care nu înfățișează o persoană, un loc sau un lucru din lumea naturală. Cu arta abstractă, subiectul lucrării este ceea ce vedeți: culoare, forme, pensule, mărime, scară și, în unele cazuri, procesul în sine, ca în pictura de acțiune. 

Artiștii abstracti se străduiesc să fie neobiectivi și nereprezentanți, permițând spectatorului să interpreteze sensul fiecărei opere în felul său. Astfel, arta abstractă nu este o vedere exagerată sau distorsionată a lumii, așa cum vedem în tablourile cubiste ale lui Paul Cézanne (1839-1906) și Pablo Picasso (1881-1973), pentru că prezintă un tip de realism conceptual. În schimb, forma și culoarea devin accentul și subiectul piesei.

În timp ce unii oameni pot susține că arta abstractă nu necesită abilitățile tehnice ale artei reprezentative, alții cer să difere. A devenit, într-adevăr, una dintre marile dezbateri în arta modernă. După cum a spus artistul abstract rus Vasily Kandinsky (1866-1944):

"Dintre toate artele, pictura abstractă este cea mai dificilă. Solicită să știi să desenezi bine, să ai o sensibilitate crescută pentru compoziție și pentru culori și să fii un adevărat poet. Acest lucru este esențial." 

Originile artei abstracte

Istoricii artei identifică de obicei începutul secolului XX ca un moment istoric important în istoria artei abstracte. În această perioadă, artiștii au lucrat pentru a crea ceea ce au definit drept „artă pură”: lucrări creative care nu au fost întemeiate în percepții vizuale, ci în imaginația artistului. Printre lucrările influente din această perioadă se numără „Picture with a Circle” din 1911 a lui Kandinsky și „Caoutchouc”, create de artistul de avangardă francez Francis Picabia (1879-1953) în 1909.

Rădăcinile artei abstracte pot fi însă identificate mult mai departe. Artiștii asociați cu mișcări precum impresionismul și expresionismul din secolul al XIX-lea experimentau cu ideea că pictura poate capta emoția și subiectivitatea. Nu trebuie să se concentreze pur și simplu pe percepții vizuale aparent obiective. Revenind și mai departe, multe picturi rupestre antice, modele textile și modele de ceramică au surprins o realitate simbolică, în loc să încerce să prezinte obiecte așa cum le vedem.

Artiști abstracti influenți timpurii

Kandinsky este adesea considerat unul dintre cei mai influenți artiști abstracti. O perspectivă a modului în care stilul său a evoluat de la reprezentativ la artă abstractă pură de-a lungul anilor este o privire fascinantă asupra mișcării în general. Însuși Kandinsky a fost adept să explice modul în care un artist abstract poate folosi culoarea pentru a da un scop lucrării aparent lipsit de sens.

Kandinsky credea că culorile provoacă emoții. Roșu era viu și încrezător; verde era pașnic, cu forță interioară; albastrul era profund și supranatural; galbenul ar putea fi cald, incitant, tulburător sau total ascuțit; iar albul părea tăcut, dar plin de posibilități. De asemenea, el a atribuit tonuri de instrument pentru a merge cu fiecare culoare. Roșu sună ca o trompetă; verde suna ca o vioară de poziție mijlocie; albastru deschis suna ca un flaut; albastru închis sună ca un violoncel, galbenul sună ca o fanfară de trâmbițe; alb suna ca pauză într-o melodie armonioasă.

Aceste analogii cu sunetele proveneau din aprecierea lui Kandinsky pentru muzică, în special operele compozitorului vienez contemporan Arnold Schoenberg (1874-1951). Titlurile lui Kandinsky se referă adesea la culorile din compoziție sau la muzică, de exemplu, „Improvisation 28” și „Composition II”. 

Artistul francez Robert Delaunay (1885-1941) a aparținut lui Randul albastru al lui Kandinsky (Die Blaue Reiter) grup. Cu soția sa, Sonia Delaunay-Turk, de origine rusă (1885-1979), amândoi au gravitat spre abstracție în propria lor mișcare, Orfism sau Cubism Orfic.

Exemple de artă abstractă și artiști

Astăzi, „arta abstractă” este adesea un termen umbrelă care cuprinde o gamă largă de stiluri și mișcări de artă. Printre acestea se numără arta nereprezentativă, arta nonobiectivă, expresionismul abstract, art informel (o formă de artă gestuală) și chiar unele op art (artă optică, care se referă la arta care folosește iluzii optice). Arta abstractă poate fi gestuală, geometrică, fluidă sau figurantă, care implică lucruri care nu sunt vizuale, cum ar fi emoția, sunetul sau spiritualitatea.

Deși avem tendința de a asocia arta abstractă cu pictura și sculptura, ea se poate aplica la orice mediu vizual, inclusiv asamblare și fotografie. Cu toate acestea, pictorii sunt cei care atrag cea mai mare atenție în această mișcare. Există mulți artiști notabili care reprezintă diferitele abordări pe care le poate lua arta abstractă și au avut o influență considerabilă asupra artei moderne.

• Carlo Carrà (1881-1966) a fost un pictor italian cel mai cunoscut pentru activitatea sa în Futurism, o formă de artă abstractă care a accentuat energia și tehnologia cu schimbare rapidă a începutului secolului XX. De-a lungul carierei sale, el a lucrat și în cubism și multe dintre picturile sale au fost abstractizări ale realității. Cu toate acestea, manifestul său, „Pictura sunetelor, zgomotelor și mirosurilor” (1913) a influențat mulți artiști abstracti. Ea explică fascinația sa pentru sinestezie, o crossover senzorială în care, de exemplu, „miros” o culoare, care se află în centrul multor opere de artă abstracte.
• Umberto Boccioni (1882-1916) a fost un alt futurist italian care s-a concentrat pe formele geometrice și a fost puternic influențat de cubism. Opera sa înfățișează adesea mișcarea fizică așa cum se vede în „Statele minții” (1911). Această serie de trei tablouri surprinde mișcarea și emoția unei stații de tren, mai degrabă decât reprezentarea fizică a pasagerilor și trenurilor.
• Kazimir Malevich (1878-1935) a fost un pictor rus pe care mulți îl descriu ca un pionier al artei abstracte geometrice. Una dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale este „Piața Neagră” (1915). Este simplist, dar absolut fascinant pentru istoricii de artă, deoarece, ca o analiză din Tate, menționează: „Este pentru prima dată când cineva a realizat un tablou care nu a fost ceva”. 
• Jackson Pollock (1912-1956), un pictor american, este adesea dat ca reprezentare ideală a expresionismului abstract sau a picturii de acțiune. Opera sa este mai mult decât picături și stropi de vopsea pe pânză, dar pe deplin gestuale și ritmice și de multe ori au folosit tehnici foarte netradiționale. De exemplu, „Full Fathom Five” (1947) este un ulei pe pânză creat, parțial, cu ghiveci, monede, țigări și multe altele. O parte din lucrările sale, precum „Acolo au fost șapte în opt” (1945) sunt uriașe, care se întind pe o lățime de opt metri.
• Mark Rothko (1903-1970) a dus abstractele geometrice ale lui Malevich la un nou nivel de modernism cu pictura în câmpuri de culori. Acest pictor american s-a ridicat în anii ’40 și a simplificat culoarea într-un subiect singur, redefinind arta abstractă pentru următoarea generație. Picturile sale, cum ar fi „Four Darks in Red” (1958) și „Orange, Red and Yellow” (1961), sunt la fel de notabile pentru stilul lor, precum și pentru dimensiunile lor mari..